JORNADAS DE REFLEXIÓN TEVEO

Arte y educación: “Los artistas en la escuela”

(5ª edición)

Pury Estalayo

La Asociación TeVeo, que agrupa a compañías de toda España dedicadas a las artes escénicas dirigidas a niños y jóvenes, organizó, durante los días 10, 11 y 12 de enero  las Jornadas de reflexión de TeVeo  en su ya quinta edición. Bajo el titulo Arte y educación: los artistas en la Escuela,  los profesionales del sector se reunieron en el Teatro TylTyl de Navalcarnero (Centro de Investigación en las Áreas de Expresión Artística para la infancia y la juventud) con el objetivo de profundizar en la relación entre educadores y artistas y construir puentes para acercar  el arte a la escuela.  En torno a este gran objetivo, tres fueron los principales bloques en el  desarrollo de los contenidos: la reflexión sobre las relaciones entre el teatro y la escuela; el análisis de esta relación a lo largo de la etapa democrática en España y también la necesidad de contrastar con modelos de funcionamiento de otros países.

En el acto inaugural estuvieron presentes, Daniel Lovecchio, director del Teatro TylTyl y anfitrión del evento que acogió estas Jornadas con el deseo de poner en valor el significado de estar asociado a otros,  considerando que esta identidad común hace diverso a cada uno y une en su individualidad. Expresó su deseo de que las jornadas fueran fructíferas y de que, en su transcurso, se gestaran nuevas ideas y proyectos que hagan posible el crecimiento de un sector construido  desde la vocación.

A continuación, tomó la palabra Antonio Sarrió, miembro de la Junta directiva de TeVeo y director de estas Jornadas. Sarrió reflexionó sobre la importancia, en este momento por el que atraviesa la cultura, de centrarse en el trabajo artístico,  y poner en valor la actividad de los profesionales dedicados a la infancia para seguir creciendo y dignificando el teatro para niñas y niños. Así mismo, habló de la conveniencia de reflexionar sobre la presencia de los artistas en la escuela; sobre qué ha ocurrido con este asunto a lo largo del período democrático en España y qué beneficios podría tener para la comunidad educativa –profesoras, profesores, alumnos, alumnas- encontrar nuevas fórmulas de relación entre los artistas y la escuela.

El acto continuó con la intervención de Pilar López, presidenta de la Asociación que recordó el título de las primeras Jornadas, Construyendo Futuro, considerando las presentes como un nuevo paso, un quinto paso, para seguir construyendo ese futuro. Sobre la temática de la quinta edición de las Jornadas expresó que la reflexión sobre el teatro y la escuela  es un tema importante porque significa sumarse a otra entidad como es la escuela, con quien los artistas dedicados a la infancia  comparten  muchos objetivos y líneas de acción.

Aprovechó también el acto para comunicar el relevo de su cargo como presidenta de la asociación en la persona de Ana Gallego que comenzó su intervención con una reflexión sobre el momento actual,  en el que el futuro está asociado a incertidumbre, a riesgo y a ausencia de sentido. La alternativa exige, según la nueva presidenta de la asociación, centrarse en el objetivo de construir sociedades más justas y de construirlas juntos para no correr el riesgo del individualismo. En este escenario, lo asociativo, lo común, han de ir de la mano. Según Ana Gallego, ahora más que nunca es el momento de buscar alianzas, de unir esfuerzos, de aunar capacidades. En este contexto, la educación juega un papel fundamental porque, en la sociedad de la información y el conocimiento, la condición necesaria para la inclusión social es una educación de calidad.

Para cerrar el acto intervino Ignacio Guzmán en representación del INAEM excusando, en primer lugar, la ausencia de Cristina Santolaria (Subdirectora General del INAEM) por encontrarse de baja por problemas de salud. Guzmán  expresó el apoyo del INAEM a este tipo de proyectos e iniciativas que posibilitan espacios de reflexión en medio de un día a día que, a veces, no permite ver lo esencial.

Una vez finalizado el acto se dio paso a la conferencia inaugural de las Jornadas. El rol del arte en la construcción humana fue el título  que desarrolló el ponente Francisco Mora (Doctor en Medicina por la Universidad de Granada y Doctor en Neurociencias por la Universidad de Oxford. Catedrático de Fisiología humana de la Facultad de Medicina de la Universidad Complutense de Madrid y catedrático adscrito de Fisiología Molecular y Biofísica en la facultad de Medicina de la universidad de Iowa, en Estados Unidos. Autor de más de 400 trabajos y 15 libros como “Los laberintos del placer en el cerebro humano”)

Francisco Mora inició su conferencia hablando de que nos encontramos ante un momento de cambio y de que estamos cambiando ya. Hemos cambiado con el siglo. Y en este momento, las preguntas serían: ¿Qué nos espera? ¿Qué va a nacer? ¿En dónde nos vamos a encontrar? Según Mora,  se va a  construir verdaderamente el árbol del conocimiento.  Y se va a construir, no en paralelo, sino en serie: lo que son las Humanidades seguidas del tronco, que son las Ciencias y las raíces de ese tronco.

El conferenciante afirmó que hoy  no creemos que exista dualismo de ningún tipo en cuanto a cerebro por un lado y mente por otro, o materia por un lado y espíritu por otro. Creemos que todo lo que el hombre es, es producto del funcionamiento de su propio cerebro, producto a su vez de ese proceso de evolución y por tanto,  en consonancia con toda la evolución de todos los seres vivos que pueblan la tierra.  Mora define a  esta revolución como  la Neurocultura, a la que entiende  como una reevaluación de las Humanidades, un volver a entenderlas desde el presupuesto de la Ciencia.  En ese contexto, han venido a crearse la neurofilosofía, la neuroética, la neurosociología, la neuroeconomía, el Neuroarte.

Después de esta introducción,  Mora pasó a la reflexión sobre  ¿qué es el arte? A lo que respondió que el arte, sea pintura, música, escultura, teatro, es algo consustancial a cualquier cultura. Ha nacido siempre con la cultura y ha sido expresión de cualquier cultura. El arte es conocimiento, placer y belleza. El cerebro tiene la capacidad de construir lo que llamamos una idea, un abstracto, un universal, un concepto más allá de lo concreto. El conocimiento nace precisamente de eso, de esa capacidad de abstraer de los concretos lo que se queda como abstracto en el mundo y que no existe en el mundo. Y aquí habría  algo primigenio en el arte.

El origen de que alguien quiera pintar, escribir una hermosa sinfonía, representar algo, es porque en su interior los abstractos que construye, cuando los contrasta y los lleva otra vez al mundo de los concretos, no le satisface lo que ve, lo que oye, lo que representa. Mora piensa que lo que ocurre en esa persona es una sensación inconsciente de frustración. A esta relación de lo abstracto con el arte hay que añadirle lo que se conoce como pensamiento simbólico. La cuna de la cultura es la esencia de la interpretación de lo que el arte significa. Abstracción y simbolismo es lo que constituye en el artista la expresión de lo que llamamos conocimiento y la base de cómo se construye en el cerebro humano. Es un sentimiento que idealiza porque crea ideas, un abstracto de los concretos.

Pero esto, según Francisco Mora, no es el constructo total del arte. Son las bases neuronales asépticas, sin entrar en los detalles de cómo el conocimiento es la base para entender el arte, pero no para sentirlo. Los abstractos requieren el placer, requieren la emoción, requieren un despertar interno ante lo que puede representar la obra de arte. El placer es la base de la conducta humana, quiérase o no. Es la teoría unificada del ser humano.

El conferenciante continuó su intervención indicando que sólo el que se emociona por lo que ve y por lo que aprende,  puede aprender algo.  La emoción es lo que  mantiene vivo y, al final, la ley sagrada de la supervivencia.  El arte, en esa dimensión,  puede cambiar el mundo.

“Si lo que yo construyo en mi cerebro es un abstracto que es diferente a los concretos del mundo, yo quiero llevar mis abstractos al mundo porque es como construyo el mundo humano. Lo humano, mis abstractos, mis ideas,  es lo que me hace a mí ser humano. Y es lo que yo proyecto al mundo,  y es lo que queremos que también proyecten los niños” Fueron las palabras de Mora a modo de conclusión, aunque en el debate posterior con todos los asistentes, pudo transmitir otros conceptos de gran interés. Así expresó  que el cerebro humano es el órgano plástico por excelencia, siempre cambiante. Nadie puede conocerse a sí mismo, porque el ser humano es un ser en constante cambio. No podemos conocernos a nosotros mismos pero, sin embargo, si podemos hacernos a nosotros mismos. También afirmó que, así como los artistas dedicados a la infancia nos preguntamos si no habría que replantearse las políticas educativas y la presencia del arte en nuestra sociedad, él afirma que en la escuela y en la sociedad no nos están haciendo ver la belleza y la cultura de la ciencia.

El segundo día de las Jornadas abrió con la presentación, a tres bandas,  del Programa Escuela y Cultura de Móstoles, municipio de la Comunidad de Madrid. Pilar Higueras, técnico de cultura del Ayuntamiento de Móstoles, David Rodríguez,  ex coordinador del CEP de Móstoles durante la ejecución del programa y Pury Estalayo ex coordinadora de dicho programa unieron sus tres voces (como técnico, maestro y artista) en una sola para transmitir a los asistentes lo singular de este programa pionero. En la década de los años 80 tuvo lugar en Móstoles esta  experiencia de integración de las artes en la escuela, sin precedentes hasta entonces. Dentro del horario escolar y en la programación de todos los centros públicos del municipio,  se hizo lugar a profesionales músicos, actores, bailarines, plásticos, fotógrafos, que ofrecieron su trabajo a todo el ciclo de primaria en coordinación con los maestros tutores. 

Pilar Higueras presentó los objetivos fundamentales de la corporación municipal al poner en marcha este programa que tomó como modelos a las pioneras experiencias culturales italianas dirigidas a estas edades en Turín y Bolonia. El Programa de Escuela y Cultura respondió, según la técnico del Ayuntamiento de Móstoles,  a una concepción de escuela como elemento activo y abierto a la percepción de la realidad, la cual nos identifica.  Se trataba de educar a los niños en su entorno vivo. Poner en sus manos la información, el conocimiento, las técnicas de expresión y comunicación correspondientes a las distintas disciplinas del arte y la cultura. Otro objetivo del programa fue el de potenciar en los alumnos la participación y fomentar nuevas pautas de actitud solidarias con el entorno y la gente que nos rodea, como base para su desarrollo intelectual y humano en sentido completo, para el desarrollo en definitiva de toda la sociedad.

David Rodriguez logró con su intervención la contextualización de un programa educativo de estas características, encuadrándolo en el momento político y social  y en los movimientos de renovación pedagógica que, en aquellos años, fueron el germen de un cambio en el concepto educativo.  Los maestros de Móstoles y todo el sistema educativo acogieron a los artistas en la escuela, pero con una sana exigencia de un compromiso con la educación por el arte.  Estos artistas llegaron a incorporarse en los claustros con voz y voto. David Rodriguez expresó los beneficios inmediatos que experimentaron los centros durante el tiempo que duró el Programa y como, en el reencuentro con antiguos alumnos, éstos se sorprenden todavía de no haber visto nada igual  en el correr de los años.  Las conclusiones de esta interesante conferencia, que bien podría conceptuarse como una rica clase de historia, David Rodríguez las sintetizó en los siguientes puntos:

• Las cosas no acontecen así como así…
• La voluntad y confluencia de personas, colectivos y fuerzas democráticas sirvieron para hacer de Móstoles una ciudad algo más habitable, dejando al margen diferencias tribales y partidistas.
• Actividades culturales deben estar presentes en la Escuela en horario escolar.
• La escuela es el espacio natural de recepción cultural y los alumnos tienen derecho a participar en la creación de su sensibilidad cultural, a recibir el legado cultural de sus antepasados y a conocer las diferentes culturas que nos ofrecen otros pueblos, próximos y lejanos.
• Los currículos actuales permiten introducir actividades culturales de danza, música, teatro, plástica y nuevas tecnologías que ayuden a los profesores generalistas o especialistas sin formación específica a concretar, desarrollar  y ampliar todos los contenidos de formación artística.
• Esta labor para lograr éxito debe ser una labor colectiva y nadie puede pretender dirigirla en exclusividad: perdería efectividad y creatividad.

La ronda de intervenciones en relación al Programa Escuela y Cultura concluyó con las palabras de Pury Estalayo, que formó parte del grupo de artistas que trabajaron en el mismo y coordinó el Programa. Estalayo planteo la importancia de “recuperar” experiencias de las características de este programa educativo considerando que la memoria permite codificar y almacenar información, pero también permite recuperarla. A veces, esa recuperación es totalmente necesaria para proyectar el futuro. Pury Estalayo expresó que, en un momento llamado de crisis, en el que los poderes económicos dirigen los movimientos individuales y sociales, es muy importante, para proyectar nuevos caminos que no estén inmersos en la compraventa de los sujetos, la memoria. Para la ponente la profundidad de Escuela y Cultura tuvo que ver con elementos tales como: la selección exhaustiva de los profesionales/artistas que lo llevaron a cabo; el trabajo de cohesión a través de encuentros y reuniones previas que tuvieron estos profesionales; el que el artista llevara una tarea de coordinación y colaboración estable con el resto de los profesores integrándose además en la estructura escolar y participando en claustros y departamentos; la interrelación de las áreas de expresión artística ya que los especialistas correspondían a ramas del arte diferenciadas que se pusieron en común: Expresión Corporal/Teatro (10); Música (8); Plástica(11); Imagen(3) y Ecología(3). Pury Estalayo concluyó su intervención expresando la necesidad de recuperar el espíritu de programas como Escuela y Cultura: no se trata de repetir, se trata de tener memoria.

En el debate posterior a las tres intervenciones, los participantes expresaron su asombro por el desconocimiento generalizado hacia un programa de estas características y la importancia de sacar a la luz experiencias de este tipo y ligarlas al el momento actual. También se puso el acento en la contradicción existente en que un proyecto en pleno crecimiento y con gran arraigo en el medio educativo y en la población, llegara a su fin por una decisión política. A pesar de ello, y en este tema hubo unanimidad entre todos los asistentes, lo verdaderamente importante en experiencias de este tipo tiene que ver con el germen que queda en cada alumno que le sirve para toda la vida;  también con el que quedó en la localidad y en la relación con el arte y la expresión en sus habitantes; algo, esto último, claramente diferenciador en el municipio de Móstoles en relación a otros municipios de la Comunidad. El debate concluyó con estas palabras de David Rodríguez:

“Hay que cambiar el concepto del arte. Es un derecho que tienen los niños y por eso la vinculación del arte en la escuela en horario lectivo es algo que creo que hay que retomar y defender a capa y espada. Y eso lo tenéis que hacer vosotros, porque los maestros no podemos, no hay formación ni la va a haber a corto plazo. Un maestro no puede aprender a tocar la guitarra, a hacerse músico, aprender dramatización, aprender a pintar, hacer fotografía, miles de cosas… no hay ningún plan de estudios que pueda completar esa formación. Eso lo tienen que hacer los artistas en colaboración con la escuela y no por nada, sino porque los niños tienen derecho a tener el arte en su espacio escolar, no los tres o cuatro que puedan sus papás buscándolo fuera de las horas lectivas. Se pueden hacer muchas cosas juntos. Hay espacio en el ámbito escolar para trabajar, pero hay que buscar los caminos.  Eso lo tenéis que hacer vosotros”

La segunda intervención de la mañana tuvo como protagonista a La Ley de Enseñanzas artísticas.

Juan López, actual subdirector General del Ministerio de Educación para la ordenación académica y gestor de anteproyecto y proyecto de dicha ley, expuso los principales contenidos de las normas que actualmente regulan la inclusión del arte en la enseñanza y más concretamente de la creación, reciente, de los bachilleratos de enseñanzas artísticas.

La intervención arrancó  con la fuerza de las palabras de la directora de un colegio de Medellín que Juan López se trajo  de México,  de un congreso organizado por la Organización de Estados Iberoamericanos sobre enseñanzas artísticas: “Cuando he conseguido que los niños y las niñas pasen a formar parte del grupo de teatro de la escuela y del coro de la escuela, el narco Escobar no tiene nada que hacer con ellos”. Una maestra, directora de un colegio de Medellín, haciendo de la Educación Artística un instrumento de integración social, un instrumento de combate contra la utilización de los niños al servicio del narcotráfico y ganándole la victoria al narco Escobar. Simplemente con la Educación Artística. El Subdirector de Ordenación Académica puso el acento en el enorme instrumento que tenemos en nuestras manos al hablar del arte, una enorme potencia que a veces desaprovechamos.

Es por eso que cuando, en la Ley Orgánica de Educación se plantearon hacer algo nuevo, pensaron que lo nuevo ya no está en qué contenidos hay que enseñar, ya que sobran contenidos que enseñar en todas las áreas y materias del currículum. Lo nuevo, para Juan López es lanzar un mensaje a los profesores y profesoras que les haga recuperar de nuevo el trabajo en equipo, la ilusión por la educación, el que descubran que están en una tarea capaz de dar sentido a toda una vida, porque justamente la tarea educativa consiste en descubrir el sentido de la vida a esos niños y niñas, jóvenes y adolescentes que están delante de los educadores y los políticos. Y eso lo hicieron con un recurso técnico que era que todos los alumnos y las alumnas adquirieran ocho competencias básicas, entre las que se encuentra la competencia artística. Los alumnos y alumnas adquirirán la competencia artística en la medida en que todos los profesores y profesoras de todas las áreas y materias del currículum sepan que tienen que trabajar para que los alumnos descubran la belleza de la vida cotidiana;  descubran que desde que se levantan hasta que se acuestan están rodeados de belleza, la del mobiliario, la del parque, la de las personas, la de las relaciones personales, la del cine, el teatro, la música, la belleza de la danza.  Opina Juan López que todo eso lo adquirirán los alumnos, y tendremos unos alumnos formados con sensibilidad artística, en la medida en que todos los profesores y profesoras de todas las áreas y materias del currículum sepan que es una tarea de todos ellos, y no sólo del profesor de música, o del profesor de plástica;  que sin duda, un proyecto educativo en cuyo corazón está la competencia artística entre las ocho competencias básicas que destaca la ley,  será participado por todos los profesores.

Ahí decimos que la Educación Artística forma parte de la formación integral que proponemos para nuestros ciudadanos y ciudadanas y como tal figura entre las prioridades de la Ley Orgánica de Educación incluyendo como competencia básica para todos los alumnos y alumnas de la educación obligatoria, la competencia cultural y artística que, como el resto de las competencias básicas (digital, científica, matemática, comunicación en lengua materna y lengua extranjera, competencia social y ciudadana, competencia de aprender a aprender y autonomía e iniciativa personal), serán objeto de evaluación por el Instituto de Evaluación del Ministerio de Educación.

A continuación, Juan López pasó a exponer la aplicación de la Ley en relación a la Educación artística en los distintos ciclos educativos, siendo de destacar la creación del bachiller  de Artes Escénicas, Música y Danza, diseñado con materias como las relacionadas con las artes escénicas, la historia de la música y la danza, el análisis del lenguaje y de la creación musical, la anatomía aplicada a las artes escénicas, a la danza y al teatro, la producción y la cultura audiovisual, entre otras.

Otro elemento señalable es el de la creación del  Consejo Superior de Enseñanzas Artísticas que supervisa la normativa, la informa y la aprueba en lugar del Consejo Escolar del Estado;  Consejo Superior que, además, preside el ministro con lo cual el sector tiene la oportunidad, cada seis meses, de tener un debate con la propia presencia del ministro que se entera directamente de los problemas que en la normativa tratan de resolver. Juan López concluyó su intervención expresando lo apasionante del trabajo en el que tenido la fortuna de participar y que le ha permitido conocer a un sector que queda definido así en sus propias palabras “como yo era experto en educación secundaria, siempre digo que la educación secundaria es una maravillosa gama de tonos grises mientras que las artísticas me ha permitido descubrir el maravilloso colorido del arco iris”

Por la tarde se desarrollaron dos talleres impartidos por dos de las compañías de TeVeo que realizan proyectos de intervención en la escuela.

El primer taller corrió a cargo de Escenoteca de Sevilla.  Escenoteca es un proyecto que une de manera clara el teatro y la educación, buscando un espacio común en el que el teatro se toma como un acto educativo y la educación se transforma con elementos de espectáculo.  Realizan habitualmente talleres dirigidos a niños y adultos  usando los cuentos como disparador creativo para la expresión y la comunicación. También, a través de los cuentos, trabajan valores humanos básicos para la convivencia y el desarrollo individual.

En estas Jornadas, Escenoteca trabajó su taller bajo el título El Bosque de los cuentos, tomando el espacio del bosque como metáfora de un viaje iniciático, un camino. Los participantes se divirtieron experimentando lo que la narradora contaba y creando sus propias versiones.

El título del segundo taller ¿Bailas? impartido por dos de las integrantes de la compaña Nats Nus indicaba claramente el contenido de una actividad de aproximación a la danza y al proceso de creación coreográfica.  Desde su fundación, Nats Nus ha explorado en sus creaciones la interacción de la danza con otros lenguajes escénicos (objetos, magia, texto, vídeo...) y lo hace con la voluntad de compartir con el público su particular visión del hombre enfrentado con la realidad. Desde 2005 y gracias a la colaboración como compañía residente en el Teatre Auditori de Sant Cugat del Vallès, comienza un ambicioso programa educativo y artístico para llevar el mundo de la danza contemporánea a las escuelas públicas de la ciudad de Sant Cugat.

Desde entonces, su tarea educativa ha ido creciendo y diversificándose y han llegado, como se pudo ver en el desarrollo del taller, a una sistematización metodológica de gran profundidad.

Los asistentes a la presentación plantearon, en el debate posterior, la emoción recibida con las imágenes de tantos jóvenes concienciados a través de una actividad artística y reafirmaron el valor incomparable del teatro y el arte para producir cambios sociales.

La comunicación de proyectos de intervención en el aula tuvo línea de continuidad en la tercera y última mañana de las Jornadas. Elena López, profesora de música y plástica del colegio Miguel Servet de Madrid, diplomada en Educación Musical por la Universidad Autónoma de Madrid y es tiene formación en arte dramático y danza contemporánea, presentó El proyecto LÓVA.

La Ópera, un Vehículo de Aprendizaje (LÓVA) es un proyecto educativo en el que una clase (25-30 alumnos/as) se convierte en una compañía de ópera y durante un curso escolar completo crea, desde cero, una ópera o breve pieza de teatro musical. Los niños y niñas de la compañía escriben el libreto, diseñan la escenografía, componen la música, confeccionan el vestuario, realizan la campaña de prensa, fabrican la utilería, crean la iluminación, etc. El objetivo de LÓVA es el desarrollo cognitivo, social y emocional de niños y niñas. Principalmente experimentado en primaria, el proyecto puede adaptarse a otros contextos y etapas educativas.

Elena López proyectó, como lo había hecho el día anterior Antonio Guerrero, un emocionante video que por sí sólo hubiera bastado para entender y, sobre todo, vivir esta experiencia a través de sus protagonistas: los niños. La profesora habló después sobre su experiencia personal en relación al proyecto LÓVA  comentando que realizó un curso con Mary Ruth McGinn,  profesora americana,  fuente de inspiración y la que introdujo el proyecto en España. Dicha profesional realiza cursos para profesores todos los veranos en el Teatro Real, con el objetivo de que éstos  conozcan el proyecto y  puedan llevarlo a cabo en su colegio.  Elena López, junto con otras dos compañeras de su mismo centro, tomó la decisión de  realizar el proyecto y lleva desarrollándolo desde el mes de septiembre. Su experiencia, le hace afirmar que las artes son un arma poderosísima para llegar a los niños. En su caso, el objetivo marcado es que,  a través del proceso de crear una ópera, los alumnos conozcan todo sobre el currículum y las leyes y que esto les motive para aprender. Para la profesora es fundamental esta motivación para toda tarea de aprendizaje. El proyecto LÓVA, posibilita también la profundización del trabajo grupal ya que se trata de una actividad en la que, aunque es importante la expresión individual, adquiere un gran protagonismo el  trabajo conjunto. El proyecto abre el colegio al mundo y  hace conocer las profesiones que integran el mundo de la ópera a los alumnos. Además,   acerca a estos profesionales a los centros educativos. El trabajo para los alumnos comienza con pequeños retos que tienen que resolver sin que el profesor, aunque esté presente, intervenga. Para esta inquieta profesora de música el proyecto LÓVA ofrece la posibilidad de crecimiento humano para sus alumnos y la posibilidad de adquirir valores fundamentales para la vida.

En el coloquio posterior, quedó patente la movilización emotiva que había producido la presentación realizada por Elena López. Se transmitió la importancia de que profesionales de la educación reflexionen y utilicen las herramientas del arte para enseñar también otras materias.

Quedó para el final la mirada a lo más lejano. Artistas en la escuela más allá de nuestras fronteras contó con dos intervenciones de gran interés. Por una parte Pilar López de Teatro Paraíso sintetizó de manera clara la panorámica europea en relación a este tema. Por otra, Carolina Ramos de Katarsis Educación y Teatro, expuso de manera profunda la situación de los artistas en la escuela en Canadá.

En cuanto a la primera intervención, Pilar López comenzó su intervención reflexionando sobre la dificultad de dibujar panorámicas lineales ya que las visiones nunca son totalitarias, aunque también es cierto que en algunos países ha habido una tendencia generalizada de entender la relación de la escuela y el arte de una manera concreta. La panorámica que dibujó a continuación comienza fundamentalmente a finales de los años 80 en los cuales diversas experiencias, que habían ido surgiendo en diferentes países, van trascendiendo y se producen encuentros internacionales en numerosos países. Como consecuencia de este movimiento se crea entonces una asociación muy importante IDEA (Asociación Internacional de Teatro y Educación) que se fue conformando por asociaciones nacionales y, en algunos casos, también por personas individuales.

Pilar López pasó después a exponer de manera clara y sintética las cuatro vías, que consideraba fundamentales, dentro de este análisis de la relación entre los artistas y la escuela.

La primera sería la vía anglosajona, que se define como el drama en la educación y que podemos encontrar en muchos países: EEUU, Australia, Canadá, Kenia, Inglaterra, Países Bajos, Países Escandinavos. En todos ellos existe una inclusión natural de estas actividades dentro del sistema educativo. Los profesores generalistas, en esta vía anglófona, son profesionales con recursos en contenidos artísticos y realizan estas actividades dentro del aula como herramienta. Paralelamente a este profesorado, equiparable a los tutores en nuestro sistema educativo, nos encontramos a los profesores específicos que tienen una formación como actores o directores de escena que cuentan con todo el centro para realizar sus proyectos e intervienen en cada una de las aulas.

Frente a esta vía anglófona se encuentra una segunda vía, la vía francófona. En ella la palabra teatro la ponen con mayúscula y siempre en primer término. Consideran que el objetivo primordial es directamente artístico y cultural. Un desarrollo teatral. Aunque utilizan la improvisación como herramienta de trabajo, su línea tiene que ver más con el concepto de elaboración de un espectáculo teatral. Sin embargo, esta tendencia ha coexistido con otra corriente muy importante que se oponía a esta visión más oficial; así la gran maestra, venida de Canadá y que dio clases en la Universidad de París, Gisèle Barret, junto con otros profesionales pudieron expresar “si las artes entran en la escuela, no puede ser que tengan que cumplir los mismos objetivos cuando están fuera de la escuela que cuando están dentro. Al entrar en la escuela, su naturaleza, lógicamente, se ha de modificar o se ha de transformar”.

Es decir,  se fundamenta la importancia del concepto expresión dramática, cuyo objetivo es que el individuo tenga las herramientas de expresión y comunicación para su propio crecimiento como seres humanos.

Esta tendencia evolucionó hacia el partenariado, modelo educativo en el arte, que es un camino a dos. El tutor de la clase es la persona que sabe de educación del grupo y el artista, que viene de fuera, trae un lenguaje que es una herramienta de juego y una provocación para poder jugar también dentro.

La tercera vía sería la germánica porque se desarrolló principalmente en Alemania y en algunos países alrededor de los Países Bajos. También en esta vía podría considerarse una doble orientación: por una parte, ponen el acento en la pedagogía del juego y por tanto, las artes y el teatro es una herramienta importante en la escuela  y por otra, existe un desarrollo muy importante de los talleres de teatro, del teatro amateur, del teatro que se hace en la sociedad civil.

Y la última vía que se ha desarrollado en algunos países del este de Europa, como Rusia; también en algunos países de Asia, como en China o la India. En esta vía tiene un gran protagonismo, la técnica. Algunos niños y niñas, que son escogidos, se les llevan a aprender una técnica artística que han de practicar desde muy pequeños para conseguir un gran virtuosismo. Lo que van a aprender lo aprenden desde ese acento totalmente técnico con el objetivo de que lleguen a ser grandes ejecutores.

La ponente concluyó su intervención con una pregunta ¿cuál es la mejor vía? Para encontrar ella misma una oportuna respuesta:

“Lo importante es que quien emprenda una vía, realmente crea en ella y confíe en que se trata de su camino, que exista un compromiso o una ética con lo que uno realiza. No nos sirven los caminos de nadie si no los hacemos propios.”

Carolina Ramos comenzó su intervención encuadrando  geográficamente  Canadá,  algo claramente significativo para el desarrollo cultural y artístico del país. Hay más de 4600 km desde una punta a otra,  elemento importante para tener en cuenta las ayudas a las compañías en gira.

Las compañías artísticas en Canadá no son privadas. Son organizaciones sin ánimo de lucro, semejante  a lo que se entiende como ONG. Sin ánimo de lucro no significa que no tengan que dar beneficios, sino que esos beneficios se invierten otra vez en la compañía.  Como ONG no es una compañía donde el director artístico o  una persona o dos personas  tomen las decisiones. Se depende de una junta directiva, formada por voluntarios de la sociedad, que suelen ser de bastante nivel adquisitivo, profesionales retirados o semiretirados que han tenido cargos importantes en la sociedad a nivel público o privado, y que de manera filantrópica quiere dejar su huella en la sociedad a través de la cultura y se involucran en una compañía artística de su elección para ayudarles a llevar a cabo una misión, visión y objetivos que plantean a nivel de estatutos.

Las vías de financiación que tienen las compañías son semejantes a las que hay aquí. Pero están también muy arraigadas otras modalidades como es la figura del filántropo que favorece en gran medida el desarrollo de las artes.

Después de esta introducción de tanto interés sobre las compañías, Carolina Ramos, centró su exposición en cómo se desarrolla en Canadá la educación artística.

El sistema educativo es de competencia provincial.  Existe un Consejo de Servicios del currículum perteneciente al Ministerio Estatal que es simplemente una ayuda para organizar fórums de encuentro entre los demás Ministerios, pero que no estipula necesariamente unas leyes básicas que sigan todas las provincias. Cada provincia hace las suyas y curiosamente son muy parecidas.

Existe un currículum de las artes muy específico con objetivos que el profesor debe conseguir en el área de drama. Y se marca claramente una diferencia entre dramática y teatro. A este currículum lo dividen en tres aspectos fundamentales, que los profesores deben contemplar para enseñar a través de la dramática: la creación,  presentación y el teatro -es decir, utilizar el teatro y hacer una obra como resultado-. A nivel de objetivos educativos, lo que importa es el proceso- por ello la terminología de dramática- la reflexión, la respuesta, el análisis y las habilidades que se desarrollan a través de la creación dramática. La ponente señaló que esta misma estructura está, no sólo en el área de drama, sino que se desarrolla en todas las artes. Cada una de ellas tiene su definición muy detallada, recogida en un pequeño libro que entregan cada año, con 160 páginas: un medio de comunicación y de vender su producto a las escuelas. Hay entidades que se han creado desde hace ya 40 años semejantes a agencias, también sin ánimo de lucro, que hacen de link entre las compañías, el artista y las escuelas.

Carolina Ramos añadió que, además, se hacen marketing con los folletos que se envían, con el directorio de los artistas que están a disposición de la escuela para que vayan a su centro. El Ministerio tiene ayudas para los centros escolares con el objetivo de que puedan llevar a los artistas a su espacio, en forma de espectáculo o en forma de taller. La ponente insiste, por la diferencia que encuentra en España, sobre la claridad y facilidad de todo el soporte informativo donde las explicaciones, tanto para los centros escolares como para los artistas, facilitan en gran medida todo el trabajo.

Todas las compañías, en su página web sobre todo, tienen su oferta educativa y de servicios también muy detallados, tanto de la parte anglófona como de la francófona, y la divulgación y marketing son muy importantes. Existen así mismo subvenciones para compañías que quieran crear fórums para formar artistas- educadores.

También existe un libro que explica qué hay que hacer para ser artista educador. El libro cuenta con un test inicial para saber si el profesional tiene dotes o no.

A nivel educativo, en Canadá existe una Agencia del Gobierno que se dedica a evaluar a los profesores en el aula. Éstos no se lo toman como una intromisión en su trabajo.  

Carolina Ramos concluyó su intervención con una reflexión sobre la memoria: “yo aprendí mucho de vuestra memoria, porque en mi generación no tuve ninguna opción a hacer teatro en España, y por eso me fui fuera. Es cuando he vuelto,  cuando me he dado cuenta de que había proyectos.  Os animo a otros a coger cosas de lo que yo os he podido aportar y a ver si podemos cambiar algo en relación a las escuelas que nos permita vivir esto y que se nos valore a nivel social.”

Se clausuró esta quinta edición de las Jornadas de Reflexión TeVeo con la  reafirmación en todos  los asistentes de que no hay posibilidad de crecimiento educativo y cultural si no es uniendo las fuerzas profesionales de educadores, artistas y asociaciones.

Así el representante del INAEM, Ignacio Guzmán, después de haber participado en todas las actividades de las Jornadas aseguró: “el protagonismo y las ideas son vuestros. Las, administraciones podrán responder en mayor o menor medida, aportarán recursos financieros, pero los códigos son muy diferentes. Yo os animo a trabajar porque, si los proyectos son buenos e interesantes, la administración terminará aceptándolos.

A continuación Antonio Sarrió, como director de las Jornadas, y Daniel Lovecchio, como su anfitrión en el Teatro TylTyl, mostraron su contento por un resultado que hacía que el trabajo de más de un año en la organización de las mismas, tuviera un profundo sentido.

Las Jornadas concluyeron con unas emotivas palabras de la presidenta, Ana Gallego:

“Estas Jornadas han supuesto una responsabilidad compartida con todos los compañeros y espero que en próximas Jornadas y Encuentros estemos todos trabajando codo con codo y de una manera horizontal. He sentido, a lo largo de estos tres días, mucho arte, mucha emoción, mucha verdad y mucha pedagogía. Huellas para nuestras manos como las huellas de colores que deja  la mano que ha servido de ilustración para acompañar  el Programa y el título de estas  quintas Jornadas: Arte y Educación: Los artistas en la escuela”